Con chi ce l’ho stavolta?
Insomma, si potrebbe credere che sia incontentabile, quando invece è proprio così, almeno per alcuni aspetti sui quali sono molto sensibile. Uno di questi riguarda il modo come la logistica aiuta o meno un viaggiatore, ossia tutto quello che riguarda l’informazione, la puntualità, l’accoglienza, eccetera.
Purtroppo stavolta Flixbus mi ha veramente deluso, in primo luogo lasciandomi senza l’ormai indispensabile  WiFi da Vienna a Strasburgo, e poi arrivando con più di un’ora e mezza di ritardo sull’orario di partenza programmato, tra l’altro facendoci attendere in una località posta nel nulla più assoluto, priva di ogni struttura, anche minima, in grado di accogliere i viaggiatori.Ma non è finita qui, ne ho anche per Strasburgo.
La prima volta che ci passai, una quindicina d’anni fa, mi parve una bellissima città, degna del suo ruolo importante in Europa. Stavolta non ho potuto sopprimere una sensazione di decadenza, o almeno di trascuratezza, come se non ci fosse stata alcuna evoluzione.
Già il fatto che assai scarsi siano i collegamenti aerei con le principali città europee, come pure quelli ferroviari diretti, è un segnale di inadeguatezza per una città che ospita una delle due sedi del Parlamento Europeo. Ma veniamo ai fatti.
Quando abbiamo occasione di fare un giretto nel centro storico di qualche località estera di una certa importanza, siamo usi liberarci dei trolley, lasciandoli nel deposito bagagli della stazione ferroviaria. Così facemmo anche a Strasburgo, e dopo un po’ di su e giù per la stazione localizzammo quel servizio. Ci accolse una porticina a due ante in legno che pareva quella di una vecchia casa popolare, e poi uno striminzito locale simile a una biglietteria di un cinemino di terza visione. Alla destra di una ridotta postazione vetrata stava un imponente scanner per i bagagli, con tanto di metal detector, ma senza alcuna istruzione (almeno chiaramente visibile) su come procedere. Posti i trolley sul nastro trasportatore, attraversammo il metal detector, il quale non mancò di segnalare il fatto che non eravamo stati abbastanza diligenti e che non avevamo posto tutti gli oggetti metallici nell’apposita vaschetta gialla, ma i due addetti seduti nel loro gabbiotto non fecero nemmeno un plissé. Entrati nella sala con gli armadietti, e posti al loro interno i due trolley, scoprimmo che la tariffa era di ben 12,50€, molto di più di quanto chiedono a Praga e a Vienna, ma il bello è che si poteva pagare quella tariffa solamente in monetine, niente banconote, carta di credito e bancomat. Ora, non si può pretendere che nel XXI secolo le persone viaggino con una scarsella piena di monete come ai tempi di Carlo Martello. Soluzione: bisognava tornare indietro, trolley compresi, e chiedere lumi in quel gabbiotto, nel quale un addetto, con al suo fianco un sacco di monete stile Zio Paperone, gentilmente cambiava una banconota in metallo sonante. Ciliegina sulla torta, il deposito chiudeva alle 19 (alle sette di sera!), e se si voleva andare a cena in un bel ristorantino sull’Ill era necessario farlo con bagagli al seguito.
Bah!
Il meglio però doveva ancora arrivare, e mi riferisco alla Gare Routière Centrale De Strasbourg, e mai tanto un nome così altisonante corrispose invece a una situazione mediocre e insopportabile. Alle 20 i bagni erano già chiusi, come pure il bar, e almeno da un’ora, mentre qualche anno fa restava aperto fino alle 21 (un altro segno della decadenza). Per giunta avevamo preso un po’ di pioggia, e una bevanda calda sarebbe stata gradita. Invece ci trovavamo sotto una sorta di tettoia aperta du due lati lunga circa una ventina di metri, con due parallelepipedi di cemento per sedersi, ma che erano stati modificati in un giaciglio per i clochard, e per giunta al buio. La situazione era poco rassicurante e oltremodo scomoda, perciò, dopo un tentativo di resistere stoicamente, cedemmo e ci rifugiammo per un’oretta in una birreria a qualche isolato di distanza, dove un paio di bicchieri di cabernet ci riconciliarono con l’esistenza.

Tutto bene il resto?
Sì, beh, abbastanza. 
Bene, anzi benissimo come sempre la sistemazione che la mia agenzia di viaggi ha scovato a Sélestat, sempre efficiente il trasporto pubblico da lì alla Val d’Argent, interessante anche la scappata a Mulhouse per visitare la Citè du Train, e, a proposito, sempre comodissimi i divani delle vecchie carrozze ferroviarie Corail. Però mi par di ricordare che qui si sarebbe dovuto parlare di patchwork, e ora c’arrivo.
Chiariamo subito una cosa, m’interesso ancora di arte tessile, e il Carrefour Européen du Patchwork ha sempre il suo fascino, però c’era un motivo ben specifico che mi aveva condotto lì, ovvero la soddisfazione di vedere una mia opera esposta al concorso internazionale, e per la terza volta, badate, ma di ciò parlerò in seguito.

Il 2025 è un anno speciale per il Carrefour Européen du Patchwork, si tratta infatti della trentesima edizione, e per l’occasione sono stati realizzati dei gadget che non ho mancato di procacciarmi. Anche il destino c’ha messo lo zampino, in quanto, all’ultimo, una delle presentarici alla premiazione del concorso non è potuta intervenire, ed è stata sostituita dalla persona che più rappresenta questa manifestazione e che ne è stata la promotrice per tantissimi anni: Mme Gul Laporte.
Inizierei con la prima impressione generale, e cioè che le mostre erano tutte abbastanza interessanti, ossia il livello generale era mediamente alto (non sempre è successo), però, tranne che in un paio di occasioni, sono mancate quelle vette di eccellenza che ti facevano sentire una nullità e ti veniva voglia di lasciar perdere il patchwork per sempre.

 

Inizierei dalla fine, ovvera dall’ultima mostra che ho visitato, e che stava quasi per sfuggirmi. Si tratta di una serie di piccole opere d’arte esposte dalla European Quilt Association (EQA). Il tema proposto quest’anno era “Contrasts”, e devo dire che è stato interpretato magnificamente.
Ovviamente le opere esposte erano molte di più, e qui ho riportato solamente alcune di quelle che, a parer mio, sono indicative  della fantasia e dell’abilità che le quilter di EQA riescono a palesare nell’interpretazione di un tema in apparenza così categorico.

 

Da questi piccoli quilt passerei a un’opera che per dimensioni e impegno realizzativo non esito a definire “monumentale”

A spanne saranno stati circa quattro metri, una nuvola di fiori che Esther Delgado Pico ha realizzato con maestria notevole.
Mi chiedo anche come sia riuscita a portare fino in Alsazia quella installazione così grande.

Diciamo che Esther Delgado Pico è stata, per me, una vera sorpresa, e non solamente per il fatto che ancora non la conoscevo, ma perché lei ha portato in Alsazia una serie di opere veramente interessanti.

Ora ammirate questa spendida opera di grandi dimensioni che, a buon diritto, troneggiava nel centro della sala.

Ebbene, oltre che bravissima, Esther si è dimostrata estremamente corretta, perché ha voluto precisare che la sua splendida opera è tratta da un’immagine originale di Eric Zener, un famoso pittore americano. Forse questa precisazione potrebbe sembrare gratuita, ma in realtà troppe volte è capitato che un’artista copiasse più o meno pedissequamente un’opera senza citarla apertamente, come del resto già segnalato del vecchio post “Il cacciatore“.

 

Si sa che amo le opere originali, quelle che rappresentano un rischio per l’artista in quanto “rompono” qualsiasi rappresentazione codificata e propongono nuovi e inaspettati orizzonti.
Di Marie-Francine Brochard avevo già visto qualcosa nel 2019, ma quanto che lei ha portato quest’anno superava qualsiasi aspettativa.

Un patchwork realizzato con la corteccia d’albero doveva ancora vederlo. Però, se ci pensate bene, è un’idea quella di utilizzare un materiale antichissimo, quasi primordiale, per delle opere d’arte contemporanee.

 

Mattea Jurin è un’apprezzatissima quilter italiana, che si è sempre distinta per la forza espressiva delle sue opere d’arte. Oltre a ciò andrebbe aggiunta un’innegabile originalità nella ricerca dei temi e nelle scelte cromatiche.
Molti sono i riconoscimenti che ha già ottenuto, tra i quali un premio al Carrefour Européen du Patchwork, e i suoi quilt ormai non conoscono confini.
Quest’anno le è stata dedicata una personale, nella quale ha potuto esporre una serie di opere della sua notevole produzione, e trovo che si è trattata di una delle esposizioni migliori di questa edizione.
Inizierei con Life’s Textures, un quilt sinestetico, in quanto, oltre alla sensazione visiva, l’artista invitava alla sensazione tattile, ossia a prendere contatto con la stoffa, la sua trama, le parti morbide e meno morbide, le contaminazioni, i confini e i corsi.

Come Mattea Jurin ha inteso precisare, si tratta di una rappresentazione di tutta una vita, dal bianco dell’innocenza infantile, attraversano i momenti di crescita, poi quelli della passione, della maturità, fino alle tinte più scure della contemplazione e della completezza,
La vita non procede mai in maniera lineare e uniforme, ha i suoi percorsi imprevisti, le sorprese belle e brutte, le difficoltà da superare e le soddisfazioni per quelle superate. Tutto ciò veniva simbolicamente richiamato in quest’opera, una sorta di biografia scritta con i colori invece che con carta e penna.

Altrettanto intrigante ed emblematico questo trittico monocromatico che, per inciso, rispetta la filosofia originale del patchwork, in quanto è stato realizzato con materiali di recupero, stoffe che hanno un legame particolare con l’autrice.

E non poteva essere altrimenti, in quanto viene rappresentata l’essenza dell’artista in tre parti.
La prima in alto è la testa, nella quale i progetti, o per meglio dire varie ipotesi di progetto nascono, si accavallano, si elidono, si confrontano, si completano, fino al raggiungimento di una struttura più o meno interpretabile e rappresentativa.
La seconda è il cuore, il motore emotivo dell’artista, il quale sempre sottolinea l’urgenza di dare una forma espressiva alla fantasia che preme per vedere la luce.
Il terzo sono le mani, ma in quelle sono racchiuse la maestria, la pazienza, la sensibilità cromatica, e in fin dei conti anche il tempo speso per trasformare una pezza di stoffa in un’opera d’arte.

Che Mattea Jurin sia un’artista eclettica lo si sarebbe già dovuto capire, e il quilt sottostante dimostra quanto possa essere evocativa un’immagine che fa della sua semplicità (espressiva, non tecnica) la cifra della sua bellezza.

Lei è, si potrebbe dire, figlia di due mondi, se non addirittura tre. Figlia di genitori europei emigrati negli USA, trascorse lì la sua prima giovinezza, e poi visse il ritorno della sua famiglia in Europa, dove tuttora risiede.
In pratica l’Oceano Atlantico è una sorta di ponte tra i due continenti che può chiamare “casa”, e lei ha inteso raffigurare questo legame indissolubile mediante le radici che affondano profondamente nel terreno, quasi tentassero di ritrovarsi sotto al fondale dell’Oceano. Mi piace pensare che si tratta anche di un ponte che probabilmente Mattea presto riattraverserà per esporre una sua personale in qualche show statunitense.

Novità assoluta, almeno per me, questi piccoli capolavori in 3D, con una cornice metallica che li sottolinea più che delimitarli, come dire che il patchwork è “aperto” a tutte le forme espressive.

 

Non so se vi ricordate di quell’incredibile opera realizzata da Dieter Filler con bucce d’arancia che inserii nel post del Carrefour Européen du Patchwork del 2022. No? Allora andate a rivedervela. Ebbene, anche quest’anno egli ha deciso di stupire con un’opera che riprende un soggetto estremamente semplice, il Sol Levante giapponese, declinandolo con materiali e lavorazioni inusuali a dir poco.

Suppongo che si tratti di cotone assemblato su tessuto pile leggermente arricciato, suppongo ripeto, perché non ho osato sfiorare quel bianco morbito per tema di sporcarlo.
Comunque vi inviterei a dare una sbirciata al sito web di questo artista tessile, e scoprirete che in tutta la sua produzione non si è mai ripetuto, non ha ceduto alle sirene di un comodo cliché di successo, e questo, almeno per me, è un grande valore aggiunto.

 

Sempre in Giappone restiamo con questo meraviglioso quilt di Montserrat Forcadell Blasco, un’artista che ci ha sempre regalato delle opere degne di nota, e anche questa ha ottenuto il meritatissimo successo nel concorso “Giappone: misteri, leggende e realtà”.

Come per la gru, associata alla fortuna, alla fedeltà e alla longevità, il misticismo giapponese è molto legato anche all’airone, ma ha un significato più misterioso, legato agli spiriti, alla morte e all’adilà. Forse non a caso Hayao Miyazaki considera il suo film d’animazione “Il ragazzo e l’airone” come una sorta di testamento spirituale e artistico.
Molte sono le antiche leggende giapponesi che hanno l’airone come protagonista, e una di quelle avrà sicuramente colpito l’artista, la quale si è ispirata anche all’arte pittorica cinese per tradurre visivamente le sue sensazioni.

 

Restiamo in zona, e precisamente nella Corea del Sud.
Hae Ok Chang è nota per i suoi fiocchi di neve, ottenuti ritagliando dei pizzi e applicandoli su degli sfondi più o meno colorati. Però ama anche riprodurre con la stoffa dei motivi tradizionali del suo paese, con colori vivi e geometrie complesse.

Ecco qui sotto una delle sue opere più peculiari, con i tipici fiocchi di neve. In questa spiccano imperiosi su un fondo nero, quasi fossero sprazzi di luce invece che delicate strutture di ghiaccio.

Comunque in questo dettaglio ci si rende conto che non si tratta di una sorta di applique, seppure accurato, perché anche lo sfondo palesa un’abilità tessile fuori dal comune.

 

In questa edizione del Carrefour Européen du Patchwork erano presenti molte altre opere che arrivavano dall’altro capo del globo, dalla Nuova Zelanda e dall’Australia, con i loro motivi, i loro colori e una visione che solamente chi vive in grandi spazi, verdi o meno, può riuscire a proporre.
Una fra tutte mi ha colpito, non perché fosse la più bella, la più complessa, la più innovativa, ma perché, con notevole sensibilità artistica, faceva riferimento a una circostanza nella quale molte donne, me compresa, si sono purtroppo trovate.

Smarrimento, delusione, rimpianto, dolore, inadeguatezza, queste sono solamente una parte delle sensazioni che una donna può provare dopo un aborto spontaneo, diverse per ognuna di loro, un turbinio di emozioni complesse affrontate talvolta in solitudine e in una sorta di silenzio sociale. Daena Schofield le ha volute in parte rappresentare con i colori e le forme in un quilt molto evocativo, con delle tinte che indicano serenità e speranza alle spalle della figura femminile, ossia il suo passato, mentre il futuro si presenta cupo, più scuro nell’immediato e solo leggermente sfumato più avanti, comunque sempre irto di spigoli pronti riaprire quell’intima ferita.
Sbirciando nel sito web di questa artista neozelandese, ho scoperto che soffre di epilessia e autismo, e che il patchwork è diventata la più efficace terapia per interfacciarsi serenamente con il mondo che la circonda, mondo che, ovviamente, lei percepisce più intensamente, e di ciò ne dà splendida testimonianza nelle sue opere.

 

In un piccolo villaggio di pescatori della Nuova Zelanda meridionale, un’antica leggenda è diventata pietra.
Nella tradizione Maori, Āraiteuru è la canoa che portò gli antenati del popolo Ngāi Tahu nell’Isola del Sud. Mentre la canoa divenne il promontorio di Shag Point / Matakaea, le zucche d’acqua e le reti si trasformarono in tanti massi sulla costa di Otago. La loro caratteristica è che hanno una forma sferica ed emergono dalla rena della piaggia, creando un’immagine molto suggestiva. I massi di Moeraki hanno dimensioni variabili, da mezzo metro a un paio di metri, e si sono formati anticamente per cementificazione dell’argilla, emergendo infine a seguito dell’erosione costiera.

Sono certa che quella spiaggia abbia un particolare valore per l’artista, e che sia una costante fonte di ispirazione, dato che quei massi appaiono in forme diverse in altri suoi quilt.

 

Bundanon è un’organizzazione artistica autraliana sorta dove viveva il pittore Arthr Boyd, assieme a sua moglie Yvonne, anche lei pittrice. Nel 1993 i due artisti donarono la loro proprietà al popolo australiano, e in quel luogo venne fondato un grande centro museale e di apprendimento artistico, con particolare attenzione alla cultura indigena.

Linda Balding ha goduto della felice possibilità di insegnare in quel centro per ventidue anni, e ne ha tratto tutta l’ispirazione possibile per le sue opere d’arte, non solamente quilt, ma anche stampe su stoffa e tinture ecologiche.
Quest’opera è la trasposizione tessile di una foto che ha scattato giusto fuori dalla fattoria di Bundanon, con quei fantasici chiaroscuri creati dall’ombra di una grande magnolia.
Come non invidiarla?

 

Restiamo nell’emisfero australe, e dalla Nuova Zelanda è arrivato questo originale quilt di Helen Beaven

Quest’opera ha vinto il primo premio nel Great New Zealand Quilt Show 2023, e direi che si è trattato di un riconoscimento meritatissimo. I disegni ripropongono quelli che si trovano sul tapa, un tessuto prodotto nelle isole dell’Oceano Pacifico mediante lavorazione della corteccia del gelso da carta. Il motivo dei petali è tipico su questo tipo di stoffa, e in più, per dare l’dea dell’improvvisazione e dell’irregolarità, l’artista ha realizzato alcuni dettagli mediante una stampa a calcografia da base in linoleum. Quanto amo le contaminazioni di tecniche…

 

E già che si è parlato di concorsi, veniamo alle dolenti note.
Voglio subito premettere che il tema proposto per  il concorso del 30° Carrefour Européen du Patchwok era molto intrigante, poiché lasciava ampia libertà creativa, e aggiungo pure che le opere esposte erano, nella maggior parte dei casi, all’altezza, anzi oserei dire che si è trattata di una delle espozioni migliori che ricordo.
Dove sta il problema allora?
Il problema sono io, nel senso che non sempre il mio metro di giudizio coincide con quello della giuria, e anche quest’anno alcune perplessità non sono mancate.

Inizierei col descrivere il tema del concorso “Avant-Garde”, ossia come ci si immagina che sarà un quilt fra una trentina d’anni, quali i materiali, le tecniche, i soggetti, le suggestioni, eccetera. Insomma, date libero sfogo alla fantasia.
Quel tema aperto a ogni libera ma innovativa interpretazione era così stimolante che, sorpresa da un’improvvisa folata di pazzia, decisi che c’avrei provato anch’io a realizzare un quilt d’avanguardia, senza speranza di essere ammessa tra i finalisti, s’intende, e invece…
Sia come sia, già la quasi certezza di avere la possibilità di ammirare dei patchwork estremamente originali mi attirava in Alsazia, e dopo la comunicazione che il mio quilt era stato giudicato degno di partecipare alla selezione finale diedi formale incarico alla mia agenzia di viaggi di organizzare la trasferta in Val d’Argent.
Non servirebbe precisare che furono proprio le opere finaliste le prime che andai a visitare, e devo proprio dire che la loro qualità era eccellente, anche se per alcune mi sfuggiva ogni relazione con il tema del concorso. Massima però fu la mia perplessità quando, durante la premiazione, scoprii che qualcuna delle opere che avevo considerato OT erano state giudicate tra le migliori del concorso.
Niente di nuovo sotto al sole, mi si dirà, non è la prima volta che mi trovo in disaccordo con la giuria, ma in qualche caso ho trovato quest’anno le loro scelte alquanto dubbie o prive di senso.
Bene, tolto questo sassolino dalla scarpa, passerei a mostrarvi alcuni dei quilt che, sempre secondo me, hanno reso giustizia nel migliore dei modi al tema proposto.

Nulla da dire sul quilt di Szilvia Kerékgyártó, vincitrice del primo premio e del premio EQA. Si tratta di un’opera esteticamente gradevole che palesa un’ottima tecnica.

Oltre all’impatto estetico dell’opera, ho trovato che si tratta di un’ottima rappresentazione di come l’antico possa trovare posto in futuro senza sembrare antiquato o trascurabile.
Infatti, cosa c’è di più antico e tradizionale del blocco “Log Cabin“? Eppure qui è declinato in una forma che si distacca dalla rigida geometria per trasformarsi in pennellate di colore, sistematiche e impeccabili nelle dimensioni, ma libere e creative nella scelta cromatica. In aggiunta abbiamo un volto molto epressivo realizzato con una tecnica che riprende e attualizza l’applique.
Ciliegina sulla torta, aggiungerei l’esclusivo utilizzo di stoffe di riciclo, cifra caratteristica del “vero” patchwork.

 

Mi spiace che la fotografia non renda giustizia a questa originale opera di Marijke Van Lamoen, a mia scusante porto il fatto che gli spot illuminavano in maniera eccessiva la zona superiore dei quilt, e che se si usava il flash si veniva guardati male.

Per realizzare quest’opera l’artista ha fatto ferro e fuoco, nel senso che invece del filo per unire gli strati ha utilizzato delle spille di sicurezza in acciaio dorato, mentre le sfumature di colore sono state ottenute a fiamma, bruciando zone del top e del batting.
Complimenti per il coraggio, oltre che per l’indiscutibile originalità. Al suo posto, probabilmente io mi sarei scottata o avrei dato fuoco alla casa.

 

Ora ditemi se quest’opera non è una finestra sul futuro, anche se “finestra” non sarebbe il termine più adatto, in quanto si tratta di quanto si potrebbe osservare in futuro attraverso le lenti di un microscopio.

Mattea Jurin ha immaginato un mondo dove la biologia non si affida più a mezzi grossolani e inefficienti, bensì arriva a operare direttamente nell’infinitamente piccolo mediante le nanotecnologie. I progressi derivanti avrebbero ricadute rivoluzionarie sulla medicina, sull’informatica, sulla genetica, un salto evolutivo che potrebbe affrancarci dalle nostre fragilità e nel contempo ridurre la nostra impronta ecologica.
Oltre al soggetto, innovativi sono pure i materiali e il loro assemblaggio, per un’opera che, a parer mio, avrebbe dovuto ricevere miglior accoglienza, anche in considerazione del fatto che si esprime pienamente nel tema proposto dal concorso.

 

Niente male nemmeno questo bizzarro quilt coreano, un’opera che sa un po’ di Escher.

Se mi è concesso, potrei definirla un’opera cubista, con finestre che guardano in tutte le direzioni, e alcune addirittura verso un immaginario esterno dietro il quilt. Chissà che non sia questa una nuova strada, anche se il cubismo non è nel mondo dell’arte una novità assoluta, anzi.
Comunque qull’opera mi è piaciuta tantissimo, e, ovviamente, non è stata premiata.

 

Meritatissimo riconoscimento invece per questa strana Luna di Eunjoo An.